Paul Senftenberg

Das war mein erster Film im heurigen Jahr: Brad Pitt als Profikiller Ladybug unter einer ganzen Reihe von Berufskolleg:innen auf rasanter Fahrt im japanischen Hochgeschwindigkeitszug Shinkansen. Bullet Train von Regisseur David Leitch punktet mit sarkastischen Sagern und atemloser Action, ziemlich blutig und verrückt, doch auch ganz einfach sehr vergnüglich.

Als selbstironisch dürfen wir den Titel des Films Massive Talent auffassen, spielt darin doch Outrierungsspezialist Nicolas Cage die Hauptrolle. Er gibt einen Star mit beträchtlichen privaten und beruflichen Problemen, der aus letzteren das Angebot eines reichen Fans annimmt, als Gast auf seiner Geburtstagsparty aufzutreten. Dass er sich alsbald als Gangster entpuppt und Cage als CIA-Agent angeworben wird, leitet die Handlung von der Persiflage zur Action und den Level an Amüsement von anfangs recht hoch in Richtung mittelprächtig.

Spät, aber doch, habe ich No Country for Old Men nachgeholt, das meisterhafte Thrillerdrama der Coen-Brüder aus dem Jahr 2007. Jarvier Bardem, Tommy Lee Jones und Josh Brolin in einem bitterböse Katz-und-Maus-Spiel um Drogenschmuggel, Auftragsmord und verlorene Hoffnungen an der texanischen Grenze zu Mexiko, triefend von Sarkasmus und Blut. Da hat zur Abwechslung einmal der richtige Film den Oscar gewonnen.

Auf Hitchcocks Spuren - Die Frau im Nebel ist ein geheimnisvoller, elegant gestalteter und atmosphärisch ungemein dichter Film noir um die Liebe eines Kommissars zu einer Mordverdächtigen. Ein weiteres Meisterwerk des südkoreanischen Ausnahmeregisseurs Park Chan-wook (Oldboy, Lady Vengeance), dessen grandiose Bildsprache und geradezu hypnotische Erzählweise ihren ganz eigenen Sog erzeugen. Ein Film, fast zu schön, um wahr zu sein.

Endlich habe ich den Hongkong-Klassiker Infernal Affairs aus 2002 nachgeholt, die Vorlage zu Scorseses Oscargewinner Departed. Zwei Polizisten auf verschiedenen Seiten des Gesetzes: Hochspannend, geradlinig, cool - knackiger kann Gangsterkino nicht sein. Die beiden langatmigen Fortsetzungen hingegen kann man getrost vergessen.

Maos letzter Tänzer aus dem Jahr 2009 erzählt die authentische Geschichte des Ballettänzers Li Cunxin und seinen Weg aus der chinesischen Provinz auf die Bühnen der Welt. Die herausragende Leistung des Hauptdarstellers Chi Cao trotzt Bruce Beresfords biederer Inszenierung.

Die Familie, der Beruf, das Älterwerden, die innere Leere: Vier Männer in der Krise und die Frage, ob sich das alles mit Alkohol nicht leichter bewältigen ließe. 2021 mit dem Fremsprachen-Oscar ausgezeichnet, entwirft  Der Rausch des dänischen Regisseurs Thomas Vinterberg eine berührende und sehr erwachsene Studie über die Suche nach nichts weniger als Sinn im Leben.

Joaquin Phoenix als einsamer Verfasser von Liebesbriefen, der sich in eine künstliche Intelligenz namens Samantha verliebt: Die sehnsuchtsvolle Tragikomödie Her von Spike Jonze aus dem Jahr 2013 ist ein originelles, mittlerweile aber gar nicht mehr so futuristisches Gedankenexperiment von entlarvender Intelligenz.

Auch ein begnadeter Filmemacher kann einmal total danebengreifen. Der Monsterreißer The Host (2006) des südkoreanischen Parasite-Regisseurs Bong Joon-ho war an den Kinokassen immens erfolgreich, hat uns aber genreimmanent nichts Neues zu erzählen und scheitert an CGI-Animationen zum Fremdschämen.

Und noch ein Film aus dem Werk von Bong Joon-ho: Bei Mother aus dem Jahr 2009 handelt es sich um eine Mischung aus Kriminalfilm und Sozialdrama. Eine Mutter macht sich auf, die Unschuld ihres geistig zurückgebliebenen und des Mordes bezichtigten Sohnes zu beweisen. Eine vielschichtige Charakterstudie über gesellschaftliche Isolation, in stilvoll komponierten Bildern erzählt.

Feen mit durchscheinenden Flügeln und gehörnte Wesens namens Pucks, die in Ghettos eines von Menschen errichteten dikatorischen Regimes ihr Dasein fristen müssen: In der ersten Staffel punktet die Steampunk-Serie Carnival Row nach einer Idee von Guillermo del Toro mit ihrer visuell ansprechenden Umsetzung und Referenzen zu den Mechanismen autokrater Systeme, in der zweiten zündet die Geschichte trotz eines coolen Monsters aufgrund der fehlenden Chemie zwischen einigen Hauptfiguren und zuweilen endlos-redundanter Dialoge nur in Ansätzen.

Home invasion der digitalen Art: Im südkoreanischen Thriller Unlocked bricht ein Hacker in das Handy und damit das Leben einer jungen Frau ein - und entpuppt sich alsbald als irrer Serienmörder mit lächelndem Gesicht. Durchaus spannende Netflix-Unterhaltung, die in uns ein flaues Gefühl ob der eigenen Handynutzung erzeugt.

Eine abgelegene Insel, ein hippes Restaurant, eine illustre Gästeschar und Ralph Fiennes als Küchenchef mit extremem Perfektionswahn: The Menue von Regisseur Mark Mylod ist eine bitterböse Farce auf die Auswüchse von Haute cuisine und den dazugehörenden typischen Kundenstock, die mit unbeirrbarer Konsequenz bis hin zum blutigen kulinarischen Alptraumfinale zelebriert wird. 

Nein, das allerortens apostrophierte neue Meisterwerk des Get Out-Regisseurs Jordan Peele ist Nope nicht geworden. Die Mischung aus Horror, Western und Science fiction erzählt von mysteriösen Erscheinungen am Himmel über einer abgelegenen Pferderanch. Das Spiel um den Blick auf uns und unseren Blick auf Dinge, die sich außerhalb unseres Verstehens abspielen, ist zu Beginn durchaus herausforderndes Kino. Mit dem Auftauchen des lächerlich designten UFOS driftet das Ganze aber in hilfloses Durcheinander ab.

Es gibt auf der einen  Seite liebevolle Zitate aus Klassikern, die in neue Filme eingebaut sind, auf der anderen wird das unkundige Publikum für dumm verkauft und Ideen von früher als eigene ausgegeben. Auf solche Weise bedient sich der Actionreißer John Wick 4 gleich zu Beginn bei dem fatamorganaartigen Näherkommen aus der Wüste in einem der besten Filme aller Zeiten, David Leans legendärem Lawrence von Arabien (1962). Was folgt, ist das übliche ultrabrutale Geballere, wobei ich zur von Keanu Reeves dargestellten Titelfigur noch nie Zugang finden konnte.

Class ist der indische Ableger der ramschigen spanischen Sex&Crime-Seifenoper Elite rund um eine Gruppe von Jugendlichen in einer elitären Privatschule, diese befindet sich diesmal in Delhi. Durch das in düsteren Farbtönen gezeichnete Lokalkolorit und Themen wie die extremen Klassenunterschiede, Gewalt, Familientraditionen, arrangierte Ehen und Homophobie verläuft die Geschichte in keinen wirklich neuen, dennoch interessanteren Bahnen als das Original.

Ein Serienkiller, der, sich und seine Situation erklärend, mit dem Publikum kommuniziert, das war in der ersten Staffel von You noch originell und auf spannende Weise unterhaltsam. Mittlerweile befinden wir uns in der vierten Season, und was anfangs noch wie ein Schwenk in ein typisches Whodunit im britischen Herrenhaus aussieht, mutiert mittels Plottwist alsbald zu den nervigen Selbstzweifeln einer gespaltenen Persönlichkeit. Der unsympathische Protagonist inmitten fader und nicht sympathischerer weiterer Charaktere und seine unablässigen und furchtbar banalen inneren Monologe sind nur noch mühsam.

Schritt für Schritt tastet sich Disney an das Thema schwuler Liebe heran. In Die Schöne und das Biest war es der kurze Moment von zwei tanzenden Männern, in Luca verdeckte die Behauptung, es handle sich um die Freundschaft zwischen zwei Burschen, kaum die tatsächliche Liebesgeschichte - und in Strange World hat nun der Teenager Ethan ganz selbstverständlich einen Boyfriend. In der Suche nach einer neuen Energiequelle gemeinsam mit seinem Vater und später auch mit dem Opa spielt seine sexuelle Identität keine problematisierte Rolle - der in vielerlei Hinsicht bunte Film stellt die Situation als so normal dar, wie es eigentlich sein sollte.

In der zweiten Staffel der Fantasy-Serie Shadow and Bone findet der genreübliche Kampf Gut gegen Böse seine Fortsetzung, in diesem Fall sind es die Grisha mit ihren besonderen Fähigkeiten, an ihrer Spitze die Sonnenkriegerin Alina, die sich Ben Barnes als perfidem Schattenbeschwörer mit blutigen Gesichtsnarben entgegenstellen. Fliegende Schiffe, gruselige Effekte rund um den unheilvollen Schattenflur, eine schwarze Nebelwand voller bösarigen Bestien, und Charaktere, mit denen wir gern mitfiebern, was die schwungvollen Actionszenen, aber auch diverse dramatische Liebesangelegenheiten betrifft - die Sache funktioniert, abgesehen von der letzten Folge, die sich in Andeutungen zerfasert und auf keinen Punkt kommt.

An und für sich bin ich ein großer Freund der Filme des amerikanischen Regisseurs Wes Anderson, der ausgeklügelten Bildsprache und schrulligen Einfälle, vor denen seine Arbeiten in der Zeichnung der Charaktere und der unglaublich detailreichen stilistischen Gestaltung geradezu überzugehen scheinen - diese Markenzeichen lassen uns einen seiner Streifen auf den ersten Blick erkennen. The French Dispatch aus dem Jahr 2021 hingegen funktioniert für mich nicht. Die Rahmenhandlung um das titelgebende Magazin und vier Kurzgeschichten, die Artikel von einzelnen Journalist:innen mit Starbesetzung visualisieren - diesmal wirkt die Überinszenierung selbstverliebt und ohne wirkliche Relevanz, die Figuren geraten zu Abziehbildchen, deren Schicksal uns auf emotionaler Ebene gleichgültig zurücklässt; all der Aufwand läuft sich tot. 

Die Air Force One wird von Terroristen über einem finnischen Waldgebiet abgeschossen, ein 13-jähriger Bursch wächst über sich hinaus und geriert zum Beschützer des US-Präsidenten. Mit ein bissl Selbstironie garniert, könnte Big Game (2015) vielleicht witzig sein. Ist es aber nicht, denn die gestelzten Dialoge samt schlechtem Schauspiel und ständigen Fanfarentönen sind ernst gemeint.

Emerald Fennells Film Promising Young Woman aus dem Jahr 2020 kreiert ein neues Genre, nämlich jenes der #Metoo-Rachethriller-Komödie. Sie wird von der großen Präsenz der Hauptdarstellerin Carey Mulligan dominiert, deren Taten sich um eine Vergewaltigung im studentischen Milieu und die darauffolgende Inszenierung einer Art von Vergeltung drehen, die in ihrer Konsequenz ihresgleichen sucht. Getragen von bitterbösem Sarkasmus, legt sie schließlich die Verzweiflung und moralische Zerrissenheit der Charaktere bloß.

Kill Boksoon ist ein mitreißender Action-noir-Thriller aus Südkorea. Die im Titel genannte Profikillerin (Jeon Do-yeon) ist in ihrem Arbeitsumfeld eine Legende, aber auch Mutter eines Teenagers. Dementsprechend sieht sie sich einerseits mit einer Vielzahl von brutalen Gegner:innen konfrontiert, die es auf ihr Leben abgesehen haben, auf der anderen mit dem Liebeskummer ihrer lesbischen Tochter. Regisseur Byun Sung-hyun und sein Kamerteam stellen dem Genre entsprechend gewohnt blutige und extrem einfallsreich choreographierte Kampfabläufe stilleren Szenen einer komplexen Mutter-Tochter-Beziehung gegenüber. Exzellent.

Kenneth Branaghs Neuverfilmung des Klassikers Tod auf dem Nil hat so gar nichts mit der stilbewussten Eleganz und dem pointierten Witz des herrlichen Originals aus dem Jahr 1978 gemein. Schrecklich banal in seiner Erzählstruktur und durch schlechtes Timing der Benchmarks im Handlungsverlauf zur Langweile zerdehnt, ruiniert der Film so ziemlich alles, was wir an Agatha Christies Mörderspielen im Allgemeinen und der Figur des Meisterdetektivs Hercule Poirot im Speziellen so lieben. Dazu kommt prätentiöses CGI, das einfach nur hässlich anzusehen ist. Ein Film, der fast wehtut.

Beef (Streitigkeiten) ist eine Netflix-Serie, die zur Abwechslung mal so richtig Spaß macht. Nach einem Beinahe-Verkehrsufall samt gezeigtem Stinkefinger sulen sich der nicht gerade erfolgreicher Bauunternehmer Danny (Steven Yeun) und die sehr erfolgreiche Geschäftsfrau Amy (Ali Wong), beide Amerikaner:innen mit asiatischen Wurzeln, in einer Privatfehde mit gehörigem Potential zur immer drastischeren Eskalation, in deren Verlauf auch ihre Lebensgeschichten aufgerollt und miteinander verwoben werden. Das ist originell und voller inhaltlicher Überraschungen, schwarzhumorig und am Schluss sogar berührend. 

Mascarpone betitelt sich eine italienische Dramödie über den dreißigjährigen Antonio, der von seinem Ehemann verlassen wird und seinen persönlichen Platz im Leben finden muss. Diese Suche führt über eine Vielzahl an Liebhabern bis zur Erfüllung in einer Zuckerbäckerlehre. Dass man das eigene Leben selbst in die Hand nehmen muss und echte Freundschaft zählt - die simple Botschaft bleibt an der Oberfläche: ganz nett, aber ziemlich belanglos.

Ryan Reynolds als Personenschützer und Samuel L. Jackson als Auftragsmörder sind die ungleichen Protagonisten in dem als Actionkomödie apostrophierten Streifen Killer's Bodyguard aus 2017 und dem Sequel Killer's Bodyguard 2 aus dem Jahr 2021. Viel lautes Geballere, ein paar Verfolgungsjagden und dazu das, was wohl coole Sprüche sein sollen - immer wenn betonte Witzigkeit vorgegeben wird, gerät das Ganze in Richtung oberpeinlich und zum Fremdschämen.

Das Leben als langer, ruhiger Fluss: In der einfühlsamen Studie Unsere kleine Schwester (2015) des japanischen Meisterregisseurs Hirokazu Koreeda nehmen sich drei Schwestern nach dem Tod des Vaters der vierten, im Titel genannten, an und es gelingt ihnen, auch gelegentliche Stromschnellen im gemeinsamen Zusammenhalt zu meistern. Aus dem Kaleidoskop von stillen Momentaufnahmen des Alltags entwickelt sich eine Geschichte von lyrischer Schönheit; und aus leisen Zwischentönen brennt das Glücksgefühl, wie herrlich es ist, am Leben und dabei nicht allein zu sein.

Von Guy Ritchie kennen wir ja durchaus vergnügliche Actionkomödien wie Snatch (2000) und Sherlock Holmes (2009) oder auch die unterhaltsame Realverfilmung von Aladdin (2019), doch was uns der britische Regisseur in Operation Fortune serviert, ist uninspiriert und langweilig. In extrem gebleachten Bildern und ohne jeden Esprit agiert der uncharismatische Bond-Ersatz Jason Statham in einer von innerer Unlogik gekennzeichneten Spionagegeschichte voller Figuren ohne auch nur einen Hauch von Hintergrund. Allein Hugh Grant als exzentrischer Waffenhändler zeigt Spaß an der Freude. 

Wie schlecht, dachte ich mir trotz der eher verhaltenen Rezensionen von The 355 aus dem Vorjahr, kann ein Agentenfilm mit Jessica Chastain und Penélope Cruz in den Hauptrollen denn sein? Ziemlich schlecht, ist wider Erwarten die Antwort. Die den Globus umspannende Jagd nach einem Computerprogramm, das in der Lage ist, sämtliche Sicherheitssysteme zu entschlüsseln - Action okay, Machart mittelmäßig, Story banal; alles in allem eher zum Vergessen. 

Auch nach mehrmaligem Wiedersehen strahlt Guillermo del Toros düstere Gespenstergeschichte The Devil's Backbone aus dem Jahr 2001 jene Art von magischem Realismus aus, der die essentiellen erzählerischen und visuellen Parameter seines späteren Meisterwerks Pans Labyrinth (2006) bereits vorwegnimmt. Ein abgelegendes Waisenhaus im spanischen Bürgerkrieg, ein Mord und als Opfer ein Bub, der seinen Frieden erst nach vollzogener Rache finden kann: wunderbares romanisches Schaudern.

Auch beim zweiten Ansehen besticht Quo Vadis, Aida? (2020) der bosnischen Regisseurin Jasmila Žbanić durch die Genauigkeit in der Zeichnung der Ereignisse des Massakers von Sebrenica im Juli 1995 und dem immensen Respekt vor dessen Opfern. Die Schauspielerin Jasna Đuričić brilliert in der Rolle der titelgebenden Übersetzerin, die sich angesichts der Ohnmacht der UNO im Blutrausch und Kriegsgeifer von Männern zerrieben sieht, die zum Teil kurz zuvor noch ihre Nachbarn waren und nun dem grausamen Geschäft der Selektion und des Massenmordes nachgehen. Die Geschichte einer Passion - die Einstellung am Schluss, als sich während der Theateraufführung von Kindern in Aidas Gesicht und darin in ihren Augen all der Schmerz über das Durchgemachte und die Trauer um ihren Mann und ihre Söhne spiegelen, aber auch der unbedingte Wille zu überleben, ist einmalig in ihrer emotionalen Tiefe. Ein Meisterwerk.

Durch die spekulativ-reißerische Berichterstattung so mancher Medien zum vermeintlichen Skandal verzerrt, erweist sich Ulrich Seidls Sparta als berührende Studie von Vätern und ihren Söhnen. Der "Bruderfilm" zu Rimini (2022) entwirft das Porträt eines zerrissenen Mannes, unglaublich intensiv von Georg Friedrich verkörpert, der für rumänische Buben, von ihren eigenen Eltern vernachlässigt bis missbraucht, eine Art Vaterersatz darstellt und dabei an den Abgründen seiner pädophilen Neigung zu verzweifeln droht. Ein ruhiger, ernsthafter, sehr genau beobachtender Film, inszeniert mit großem Feingefühl. Hans-Michael Rehberg als dementer Greis ist phänomenal in seiner letzten Rolle.

Bei Final Cut of the Dead handelt es sich um die französische Version der herrlichen japanischen Satire One Cut of the Dead aus dem Jahr 2017, wobei sich mir die Motivation für diese Adaption nicht erschließt. Der Mehrwert ist gleich null, im Gegenteil geht es nun weniger knackig und auf den Punkt zur Sache und der Überraschungseffekt fehlt natürlich völlig. Wieder sehen wir im ersten Drittel des Films einen trashiger Zombie-Slasher, gedreht in einer einzigen Einstellung und voll jener Klischees, die das Genre eben so kennzeichnen. Erst in der Folge erfahren wir über die Hintergründe und bekommen schließlich in einer Art Making of die Dreharbeiten mit all ihren Pannen und den daraus resultierenden nötigen Improvisationen vorgesetzt. Alles in allem ein leidlich unterhaltsames und im Grunde genommen unnötiges Remake - beim vergnüglichen Original sind wir nach wie vor besser aufgehoben.

Ein cooler Kurier von überlebenswichtigem Sauerstoff und ein junger Hallodri, der sich als Mutant entpuppt und zur Hoffnung der benachteiligten Flüchtlingsdistrikte wird, dazu eine toughe Majorin und der böse Direktor eines gigantischen Konzerns: Die Rezeptur aus einer Basis aus Orwell und Huxley plus mehr als geringer Prisen von Mad Max und Die Tribute von Panem geht in der südkoreanischen Seriendystopie Black Knight durchaus auf. Der charismatische Hauptdarsteller Kim Woo-bin trägt mit seinem stechenden Blick die Endzeitgeschichte durch sechs knackige Folgen und sein Sidekick Kang You-seok mausert sich von sympathischer Unbeholfenheit zum beinharten Einsatz seiner Fäuste. Die Chemie zwischen den Charakteren ist inhärent stimmig und die Action kurzweilig, das Ende kommt vielleicht sogar ein bisschen abrupt. Hier wird das Genre nicht neu erfunden, aber immerhin ansehnlich variiert. 

Ich bin ganz ehrlich: Gebt mir Baby-Yoda, oder Grogu, wie er in The Mandalorian genannt wird, und ich bin zu einem kritischen Urteil fast nicht mehr fähig. Trotzdem war ich von der dritten Staffel rund um den titelgebenden Helden mit dem charakteristischen Helm, den abzunehmen ihm nicht erlaubt ist, recht enttäuscht. Der initiale Clou von der stilistischen Gestaltung eines Spaghettiwesterns im Universum von Star Wars hat sich nun schon etwas leergelaufen und selbst der Detailreichtum des Set designs erschöpft sich mittlerweile in einer faden Story ohne Pfiff. Da können nicht einmal Grogus Gurren und seine Glupschaugen etwas retten.

Ach, wie idyllisch sind die Kargheit und die Armut, sind das satte Grün im sanften Licht und das Brausen der Wellen in The Banshees of Inisherin. Die Schauplätze wirken gelackt, geradezu klinisch sauber, zu arbeiten brauchen die Bauern und Fischer offenbar kaum, es friert auch niemand im Wind, der doch eigentlich bis in die Knochen dringen müsste. Ich kann den beträchtlichen Erfolg des Films bei Kritikern und den Jurys vom Festival in Venedig bis zu den Oscarnominierungen nicht nachvollziehen. Die Inszenierung des Endes einer Männerfreundschaft wirkt für mich allzu clean, wie geblendet von der eigenen Bedeutsamkeit als Allegorie auf den irischen Bürgerkrieg. Colin Farrell gibt sich merklich Mühe, das auszudrücken, was er wohl für hohe Schauspielkunst hält, und Brendan Gleeson ist halt knorrig. Einzig Barry Keoghans nervöse Unsicherheit als unglücklicher Einfaltspinsel, der an der Brutalität seines Vaters und dem Desinteresse der Frauen zerbricht, ist mir nahegegangen.

Eine Wissenschaftlerin mit Krebs im Endstadium experimentiert mit dem in eine KI hochgeladenen Gehirn ihrer Mutter, um eine perfekte Soldatin zu klonen. Die südkoreanische Netflix-Produktion Jung_E zeigt interessante Entwürfe einer dystopischen Welt und darin die Stärke einer Mutter-Tochter-Beziehung sowie Martial Arts mit Androiden, greift aber völlig daneben, wenn sich vorgeblich ernstzunehmende Wissenschaftler:innen wie kleine Kinder benehmen; das soll wohl witzig sein, wirkt jedoch bloß lächerlich. 

Arnold Schwarzenegger ist in die Jahre gekommen, doch sein bärbeißiger Charme trägt auch seine erste Serie mit dem Titel Fubar. Mit gefärbtem Haupthaar, weißem Bart und seinem unnachahmlichen Akzent möchte er sich als CIA-Agent im Ruhestand eigentlich der Familienzusammenführung widmen, ist dann aber mit der Abwendung des Weltuntergangs durch Atomwaffen in den falschen Händen (gibt es denn richtige?) befasst. Dass sich seine Tochter ("Schatzl") als Co-Agentin entpuppt, sorgt für Wortwitz und einige (Selbst)Ironie. Ein kurzweiliges guilty pleasure. 

Der Wandel von einem, dem nach eigener Aussage Träume Angst machen, zu dem, der, wenn es um die Darstellung eben solcher Träume in Form von bewegten Bildern geht, die Kontrolle haben möchte. Familiengeschichten standen schon immer im Zentrum von Steven Spielbergs Arbeiten, diesmal geht es um seine eigene. In seinem autobiografischen Film Die Fabelmans gibt er sich bescheidener als üblich, was die Inszenierung großer Gefühle betrifft; stattdessen entwirft er in der Aufarbeitung seiner Kindheit und Jugend, der ersten Schritte in Richtung Film und des Zerbrechens der Ehe seiner Eltern eine sehr authentisch anmutende, genau beobachtende und liebenswerte Reminiszenz an die Anfänge eines der ganz großen Meister des Kinos samt etlicher Verweise auf das spätere Schaffen. Der Horizont, so der Ratschlag des Regiegiganten John Ford an den jungen Spielberg am Ende des Streifens, solle sich oben oder unten, aber dürfe sich nie in der Mitte eines Bildes befinden, denn dies sei einfach langweilig. Spielberg hat diesen Bezugspunkt an einer ganz anderen Stelle verortet, nämlich direkt im Herzen seiner Figuren.

Auf Old Faithful ist eben doch Verlass: In letzter Sekunde schickt der Geysir einen T-Rex ins Jenseits und beschert auf diese Weise dem Sci-fi-Thriller 65 (2022), Adam Drivers One-Man-Show plus kleinem Mädchen, ein glückliches Ende. Notlandung auf der Erde lang vor unserer Zeit, dort wüten die Saurier - der Streifen mutet wie ein neunzigminütiger Zusammenschnitt aus allem an, das wir das Genre betreffend schon zur Genüge kennen; und ist trotz guter Effekte dementsprechend spannungsarm.

In dem übersinnlichen Thriller Last Night in Soho von Edgar Wright verschwimmen für die Modestudentin Ellie die Grenzen zwischen ihrer Realität und der beängstigenden Parallelwelt der Sixties, in die sie, anfangs in Träumen, immer mehr kippt. Dabei geht es nur bei ihren ersten Eindrücken swinging zu; stattdessen findet sie sich im Körper einer schillernden Nachwuchssängerin wieder - mit immer drastischeren Auswirkungen auf ihre Gegenwart. Fast so unterhaltsam wie der tolle Score und der stimmige Style ist der ganze Film, der seine Geheimnisse nur Schritt für Schritt preisgibt. Mit Thomasin McKenzie und Anya Taylor-Joy als Kehrseiten-Persönlichkeiten und Diana Rigg in ihrer letzten Rolle.

Vom Ausbruch aus einem georgischen Gefängnis bis zum schwindelerregenden Kampf auf dem Wiener DC-Tower: In Tyler Rake: Extranction 2 ist genau das drin, was auf dem Netflix-Franchise steht - Baller-Action ohne Wenn und Aber, von Chris Hemsworth kernig ausgeführt und in teils beeindruckend choreografierten Plansequenzen umgesetzt. Wer das mag, wird hier bestens bedient.

Bond-Regisseur Sam Mendes versteht, wie wir wissen, mit filmischem Bombast ja aufs Vortrefflichste umzugehen. In der Liebesgeschichte Empire of Light verzichtet er jedoch gänzlich darauf. Olivia Colman ist grandios in der Rolle einer einsamen und unter einer bipolaren Störung leidenden Frau, die sich in dem titelgebenden, teils heruntergekommenen Filmpalast in einem südenglischen Badeort zu Beginn der Achziger in einen jungen schwarzen Kollegen (Micheal Ward) verliebt. Mendes zelebriert die Solidarität von Menschen, die sich als Außenseiter an den Rand der Gesellschaft gedrängt sehen, als rührendes Kinomärchen.

Der junge belgische Filmemacher Lukas Dhont entwirft in seinem wunderbaren Streifen Close die Geschichte einer tiefen Bubenfreundschaft, die durch das Unverständnis derer zerstört wird, für die es an den Rändern der Heteronormativität nichts geben darf.  Léo, mit unglaublicher natürlicher Intensität gespielt von Eden Dambrine, wird durch Sticheleien, die in Richtung Homosexualität gehen, derart verunsichert, dass er sich von Rémi (ebenfalls bestürzend verletzlich: Gustav De Waele) abwendet - mit, wie sich zeigen wird, fatalen Folgen. Die Kamera ist immer ganz nah an diesen wunderbar gezeichneten Figuren, wenn sie gemeinsam durch sonnendurchflutete Blumenfelder laufen oder mit dem Rad entlang wogender Weizenfelder fahren, wenn sie einander blind vertrauen und einander ohne Worte verstehen, wenn sie miteinander einfach sie selbst sein können - ihre Augen und Blicke, voller Zärtlichkeit und voller Tränen, treffen uns direkt im Herzen. Eine Geschichte von grandioser Traurigkeit, eine zutiefst berührende Ode an die Verbundenheit zwischen zwei Menschen, an die magische Grenze zwischen der Unschuld der Kindheit und dem Beginn der Pubertät, diesem jähen Erwachen aus einem Zustand, der sich im Nachhinein wie ein Traum anfühlen mag, an eine alles erfüllende Freundschaft, an eine Form von Liebe - so nah, dass es zuweilen auch uns beim Zuschauen weh tut.

Nach den argen Verrissen, die ich über die neue Disney-Realverfilmung der Geschichte von Peter Pan und Wendy gelesen habe, ging ich mit großen Vorbehalten an die Sache heran. Diese haben sich angesichts des harmlosen Kinderfilms, der eigentlich die Figur der Wendy ins erzählerische Zentrum setzt, aber verflüchtigt; und mit den rassistischen Kommentaren gegenüber dem jungen Darsteller des Peter und der Darstellerin der Fee Tinkerbelle möchte ich mich erst gar nicht abgeben.

Die Coming-of-Age-Dramödie The Kings of Summer aus dem Jahr 2013 nimmt Anleihen am großen Vorbild Stand By Me, ohne aber auch nur im Ansatz dessen Klasse zu erreichen. Drei Burschen (symapthisch: Nick Robinson, Gabriel Basso und Moises Arias) beschließen, den Sommer im Wald zu verbringen - erstaunlich, wie uneinheitlich die Schilderung ihrer Erlebnisse zwischen teilweise witzigen Szenen und recht oberflächlich gezeichneter Tragik geraten ist. 

Cocaine Bear schildert anschaulich das mörderische Verhalten eines gewaltigen Schwarzbären unter Drogeneinfluss. Nicht nur haben die oft kreischenden Figuren mit den erfrischend inszenierten Attacken des Untiers zu kämpfen, sondern zudem die Horrorkomödie mit einigen erzählerischen Leerläufen. 

Schon die lebensbejahende Vorjahresstaffel der Netflix-Serie Heartstopper schaffte es, durch die warmherzig-humorvolle Inszenierung einer ersten Verliebtheit, die zur Liebe wird, unsere Herzen im Sturm voll herumfliegender gezeichneter Blätter zu nehmen; die neuen acht Folgen knüpfen nahtlos daran an. Außenseiter Charlie und Rugbykapitän Nick (Joe Locke und Kit Connor, beide liebenswert) und rund um sie der diverse Cast ihrer Peer-Group, diesmal auf Klassenreise in einem märchenhaft gezeichneten Paris. Dass auch immer wieder ernste Themen wie Homophobie, Mobbing und Essstörungen im Hintergrund auftauchen, wissen wir schon von den Graphic Novels von Alice Oseman, denen die Serie zugrundeliegt. Auf die weiteren geplanten Staffeln freuen wir uns jedenfalls schon. 

In der Filmkomödie Weird: Die Al Yankovic Story erleben wir einen Daniel Radcliffe mit Mut zur totalen Übertreibung. In der Titelrolle des US-amerikanischen Musikers, der für seine popkulturellen Parodien berühmt wurde, bleibt er auch dann überzeugend, wenn sich die Sache nach gelungenem Einstieg dann doch totzulaufen beginnt.

Eine Dreiecksgeschichte in Marokko: Im Drama Das Blau des Kaftans von Regisseurin Maryam Touzani betreibt ein Ehepaar, Halim und Mina, einen Laden für die im Titel des Films genannten, kunstvoll handgenähten traditionellen Kleidungsstücke. Durch Minas schwere Krankheit, Halims versteckte Homosexualität und seine Gefühle für den Lehrling Youssef entsteht eine Beziehungssituation, die zu großer gegenseitiger Solidarität führt. Lubna Azabals intensive Verkörperung der Mina schafft berührende Momente; doch verschenkt der Film einen Großteil seiner Möglichkeiten, weil wir von Youssef fast gar nichts erfahren und so auch seine behauptete Liebe zu Halim nicht wirklich nachvollziehen können. Was bleibt, ist ein Drama des Abschiednehmens, das soviel mehr hätte sein können. 

Vom längeren Titel des Romans ist in der filmischen Version nur Royal Blue übrig geblieben, doch das ist nicht das größte Problem der romantischen Dramödie um die Liebe zwischen einem britischen Prinzen (Opa Stehen Fry ist der König) und dem Sohn der US-Präsidentin (Uma Thurman beweist, wie schlecht sie spielen kann). Das ausführlichere Format einer Serie hätte sich wohl eher für eine Adaption angeboten, denn die Sache wirkt irgendwie heruntergehudelt, was Teile der Handlung und des Personals an Nebenfiguren sowie die Zuspitzung der dramatischen Situationen und deren hurtige Auflösung betrifft. Außerdem passt zwar Nicholas Galitzine recht gut in die royale Rolle, Taylor Zakhar Perez ist aber zehn Jahre zu alt für den verliebten Collegestudenten, was in Szenen wie dem Coming out vor seiner Mutter und deren Sex-Ratschlägen unfreiwillig komisch wirkt. Insgesamt nicht schlimm, aber eine vergeben Chance.

In loser Anlehnung an Jane Austens Pride and Prejudice inszeniert der amerikanische Regisseur Andrew Ahn den sommerlichen Urlaubstrip einer Gruppe von Freunden ins queere Paradies Fire Island als romantische Komödie aus allbekannten Versatzstücken des Genres, die sich natürlich allesamt um die Höhen und Tiefen der Liebe drehen. Ein Klischee jagt das andere, doch dem sympathischen Hauptdarsteller Joel Kim Booster, der auch für das Drehbuch und die Produktion verantwortlich zeichnet, ist es zu verdanken, dass ich mich ganz gut unterhalten habe. 

Jeff Bridges brilliert in der hochkarätigen Serie The Old Man in der Rolle eines ehemaligen CIA-Agenten, der durch das Auftauchen eines auf ihn angesetzten Killers aus dem beschaulichen Pensionistendasein gerissen wird. Beeindruckend ist das Porträt eines Mannes, der sich von den Schatten seiner Vergangenheit eingeholt sieht und dem nur die Flucht nach vorn bleibt. Nicht minder beeindruckend sind Kampfszenen, die als kleine Plansequenzen inszeniert sind und in denen es kein strahlender Held, sondern ein wirklich merklich alter Mann ist, der sich keuchend, stöhnend, unter Mühen, dann aber auch immer wieder mit unerwarteter Härte zu wehren versucht. Leider bricht die Spannung ab der dritten Folge aufgrund endlosen Zerredens der Hintergründe und allzu langer Rückblenden zu einem Einsatz in Afghanistan ein und was großes Serienpotential gehabt hätte, in sich zusammen.

Die Geschichte von der insgeheimen Liebe zum besten Freund seit Kindertagen und der Befürchtung, dass sie, einmal ausgesprochen, die Freundschaft gefährden könnte, ist keine neue. Der taiwanesische Regisseur Leste Chan inszeniert sie als bittersüße Romanze unter dem Titel Eternal Summer (2006) zwar in stimmungsvollen Aufnahmen und mit viel Gefühl, die dritte Figur eines Mädchens zwischen den beiden Burschen bleibt aber allzu blass. Die Darstellung von Ray Chang, der in seiner Unsicherheit und auch dem Aussehen sowohl PP Krit, als auch Billkin in der immer noch besten Serie ever, I Told Sunset about You, ähnelt, bleibt aber im Gedächtnis.

Ein Katastrophenfilm im doppelten Sinne des Wortes: Ich kann ja unter Umständen verstehen, dass bei Roland Emmerichs neuestem Machwerk Moonfall das Budget nicht für auch nur akzeptable CGI gereicht hat (die Flutwelle, der außerirdisch-krakenhafte Nanopartikelarm!), doch was Patrick Wilson und Halle Berry an sinnentleertem Unsinn von sich geben, geht auf keine Kuhhaut. Einfallslos und langweilig.

Dass bei der amazon-Mysteryserie Shelter so etwas wie Goonies-Feeling aufkomme, stand in der "Kronen Zeitung" geschrieben. Leute, hört auf, die Abschrift von Pressetexten als Rezensionen auszugeben und beschäftigt euch stattdessen ein wenig mit der Filmgeschichte! Ein Schüler auf der Suche nach seinem vermeintlich verstorbenen Vater und allerlei Ungereimtes, das sich ihm und seinen Freunden in den Weg stellt - unbeholfen zusammengezimmert aus Versatzstücken, die wir allesamt bereits unzählige Male besser inszeniert gesehen haben.

Da gibt sich ein Regisseur, Matt Reeves, dem Drang hin, ikonografische Bilder zu schaffen, und obwohl er dafür fast drei Stunden veranschlagt, schauten wir ihm dabei fasziniert zu. Robert Pattinson als The Batman keucht vor Erschöpfung, stöhnt unter Schmerzen und hat auch schon mal Tränen in den Augen; keinen strahlenden Superhelden haben wir hier vor uns, sondern einen gebrochenen Mann mit Narben auf dem ganzen Körper und der Seele. Die düstere Schnitzerljagd, bei der er sich mit dem Riddler misst (Gänsehaut-psychopathisch: Paul Dano) und die ihn in die Vergangenheit seiner eigenen Familie führt, eine Verfolgungsjagd, der wir auch tatsächlich folgen können, die unheilschwangere Atmosphäre, tolle Musik und Kamera: Wow!

Die James Bond-Filme begleiten mich durch fast mein ganzes Leben, ebenso die dazugehörigen Musikstücke, angefangen von Monty Normans legendärem Titelthema über John Barrys klassische Songs bis zu des neuesten Stücken von Sam Smith und Billie Eilish; insgesamt ergeben diese Melodien so etwas wie den populärkulturellen Score der letzten sechzig Jahre. Die amazon-Dokumentation The Sound of 007 lässt diese Zeit auf informative und sehr unterhaltsame Weise Revue passieren. 

"My name is Monkey D. Luffey and I am going to become the King of the Pirates." - Diesen Bubentraum der vor Enthusiasmus geradezu berstenden Hauptfigur der gelungenen Live-Action-Adaption des erfolgreichen Mangas/Animes One Piece ist der rote Faden, der uns durch die fantasievollen Handlungshaken leitet. Mit seiner Crew aus Außenseitern mit großem Lebenstraum, die allmählich zu so etwas wie einer kleinen Familie zusammenwachsen, begibt sich Luffy, der vom jungen mexikanischen Schauspieler Inaki Godoy sympathisch verkörperte Bursch mitt den Gummigliedern, auf die Suche nach dem titelgebenden legendären Piratenschatz. Cool choreografierte Kämpfe, deren Inszenierung uns die Übersicht bewahren lassen (Mackenyu Arata als meist stoischer Schwertkämpfer), liebevoll gestaltete Kulissen, tolle Kameraeinstellungen und die mitreißende Musik, dazu skurrile Bösewichter und der unwiderstehliche Charme des Protagonisten mit seiner positiven Energie, dem naivem Optimismus und seinem großem Wagemut im Dienste der Freundschaft - die Freude aller Beteiligten ist in jeder Szene spürbar und überträgt sich beim Miterleben auf uns. 

Die meisten Episoden der philippinische "Boys Love"-Serie Gameboys wurden 2020 während eines Corona-Lockdowns online gedreht und stellen somit eine einzigartige Einheit von Inhalt und Form dar - die Geschichte spielt sich auf Computerbildschirmen sowie in Stories auf sozialen Medien, Nachrichten und Videocalls ab. Elijah Canlas und Kokoy de Santos verkörpern mit großer Authentizität, überbordendem Enthusiasmus und nicht minderer Liebenswürdigkeit zwei Burschen, die sich beim Gamen im Internet kennen- und liebenlernen; die Pandemie mit den dazugehörigen Maßnahmen stellt den metaphorischen tiefen Fluss dar, der den beiden "Prinzen" das Zusammenkommen erschwert. Frisch, fröhlich und voller Herzschmerz in den einen Szenen, von dramatischem Ernst in anderen - eine weite Bandbreite von Emotionen, der die beiden tollen Jungdarsteller tatsächlich gerecht werden. Wer bei ihrem ersten realen Zusammentreffen auf einem menschenleeren Zebrastreifen nicht gemeinsam mit ihnen Tränen der Rührung in den Augen hat, ist in diesem Genre ohnehin schlecht aufgehoben. Und als krönendes Finale gibt es das wohl romantischste Abehmen eines Mund-Nasen-Schutzes der Filmgeschichte.

Wer Lust hat, einer zugegebenermaßen schön bebilderten Erzählstunde eines Kommentars aus dem Off beizuwohnen, ist bei Pablo Larrains Netflix-Experiment El Conde gut aufgehoben. Ein Paralleluniversum mit dem chilenischen Diktator Augusto Pinochet als Vampir mit Todessehnsucht - klingt spannend, ist aber leider ziemlich langweilig.

Mord, wie er im Buche steht ist ein spanischer Studierenden-Slasher ohne Pfiff und Pfeffer: Ein Streich gerät außer Kontrolle, ein Literaturprofessor kommt zu Tode - und auf einmal beginnt ein grinsender Killer-Clown mit dem üblichen Gemetzel.

Edel aufgemacht, sehr düster, in der Gesamtlänge von acht rund einstündigen Folgen aber zu redselig und redundant: Die Poe-Adaption The Fall of the House of Usher verlegt die Handlung um einen Pakt mit einer Teufelin in die Jetztzeit mit der US-Opioid-Problematik. Unzählige Anspielungen auf das Werk des großen Horrorautors und dessen unglückliches Leben in der ersten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts wissen Fans und Kenner zu verzücken, mir persönlich ist auch nur eine einzige Identifikationsfigur in diesem Personal des Grauens abgegangen.

Die Viennale ermöglichte ein Wiedersehen nach vierzig Jahren - und immer noch beeindruckt Walter Bannerts Die Erben aus dem Jahr 1983 mit seinen kompromisslos-starken Bildern. Der früh verstorbene Nikolaus Vogel als Gymnasiast aus lieblosem Elternhaus, seine Freundschaft mit einem Burschen aus dem Arbeitermilieu und ihr gemeinsames Abdriften in die braune Brühe des österreichischen Neonazitums samt heuchlerischer Parteipropaganda, Leugnen des Holocausts und dem Alltag im Jugend-Trainingslager: Bannert schnitzt die Arbeit seiner damals skandalisierten Recherchen aus grobem Holz, kümmert sich nicht um feines Herausmodellieren der Motive und Seelenzustände seiner Figuren, und ehrlich gesagt sind die meisten schauspielerischen Leistungen eher bescheiden. Dennoch hat die Wucht des Streifens in all den Jahren nicht nachgelassen und es mag abgedroschen klingen, trifft jedoch genau den Punkt: Heute erscheint uns Die Erben vielleicht wichtiger denn je.

Same body, same place: Höchst mysteriös geht es in der britischen Mini-Serie Bodies zu, der Netflix-Adaption einer Graphic novel, die auf vier Zeitebenen spielt. In vier Zeitebenen wird in derselben Gasse in London dieselbe Leiche gefunden. Die Ermittler:innen gehören allesamt Minderheiten an: ein versteckt Homosexueller, ein Jude, eine Muslima und eine querschnittsgelähmte Polizistin. Die Puzzlesteine fügen sich allmählich zusammen, sogar Mitraten ist möglich. Ich bin kein Fan von Zeitreisegeschichten, im anderen Fall wird man die Sache wohl spannend finden.

Cape Cod im Winter, die Touristenmassen sind abgezogen und werden ersetzt durch eine Gruppe von Künstler:innen, die den frischen Wind zum Durchlüften ihrer Ideen nützen wollen - und durch eine Droge nachhelfen, die sie zu kreativen Höchstleistungen treiben. Nebeneffekt, der in der zehnten Staffel von Ryan Murphys Anthologieserie American Horror Story: Double Feature mit dem Untertitel Red Tide aufs Anschaulichste geschildert wird: Sie werden zu Vampiren. Nach nur fünf blutigen, in einem Spektrum ausgebleichter Farben visuell ansprechenden Teilen ist auch schon Schluss, danach gibt es einen zweiten Staffelteil, Death Valley, in dem von den Fünfzigern bis heute ein Hybrid aus Menschen und Außerirdischen geschaffen werden soll. Was nicht gerade berauschend originell ist.

Und gleich zur elften Staffel von American Horror Story mit dem Zusatztitel NYC, die ich eine Passionsgeschichte nennen möchte. Dort spielen sich in den Achzigerjahren grausige Morde an Schwulen ab, Politik und Polizei sind untätig, allein ein Detective und sein als Journalist tätiger Partner sind dem Serienkiller auf der Spur. Ohne den für die Serie üblichen Faktor von Grusel und Übersinnlichem, jedoch mit harten und oftmals auch metaphorisch aufgeladenen Bildern beschreibt die Geschichte das unvermittelte Hereinbrechen von HIV und AIDS über die queere Community der Stadt. Manche Einträge in die Reihe waren brillant (Asylum), andere haben mich weniger mitgerissen (die Hexen-Geschichten). Die Sequenz am Schluss von NYC , in einer Art Requiem zu den Klängen von Kraftwerk der Tod in Gestalt eines riesenhaften Muskelprotzes in BDSM-Gear und Ledermaske reiche Ernte unter den schwulen Männern einfährt, gehört jedenfalls zu den stärksten der ganzen Serie.

Der junge philippinische Schauspieler Elijah Canlas machte schon mit der Lockdown-Serie Gameboys auf sich aufmerksam, in dem bittersüßen Drama Keys to the Heart, dem Remake eines Films aus Südkorea, zeigt er sich nun der überaus anspruchsvollen Rolle eines autistischen Burschen mit überragendem musikalischen Talent gewachsen. Der Bruder, ein Profiboxer auf absteigendem Ast, die Krebskrankheit der Mutter, eine schwierige Familienzusammenführung, der Gewinn eines Wettbewerbs - nichts wirklich Neues, durch den asiatischen Hintergrund aber interessant und aufgrund von Canlas' toller Darstellung sehenswert. Und am Schluss dürfen die Tränen fließen. Zu sehen auf Netflix.

Auf einen neuen Film von Männer al dente-Regisseur Ferzan Özpetek freue ich mich immer - kaum einer versteht es, Freundeskreise, versammelt beim gemeinsamen Essen um einen Tisch auf einer Terrasse mit Aussicht über die Dächer von Rom, mit solchem Gusto zu inszenieren wie er. Sein neuester Streifen Nuovo Olimpo erzählt auf nachdenkliche Weise von zwei jungen Männern, die sich Ende der Siebziger im titelgebenden Kino ineinander verlieben, durch dramatische Umstände aber aus den Augen verlieren und erst fast vierzig Jahre später durch Zufall wiederbegegnen. Ein durchschnittlich gelungener Özpetek ist immer noch sehenswerter als so vieles andere.

Nur bedingt gut gealtert ist der Polizeithriller Verhandlungssache aus dem Jahr 1999. Samuel L. Jackson nimmt Geiseln, um seine Unschuld an einem Mord zu beweisen, Kevin Spacey ist der gewievte Unterhändler. Ich erinnere mich, damals beim Filmstart von der Ausarbeitung des Plots begeistert gewesen zu sein, aus heutiger Sicht ist das Ganze arg vorhersehbar.

Als Vorbild für Klamaukfilme wie Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug und Die nackte Kanone könnte die als "schlechtester Film aller Zeiten" apostrophierte kultige Trashkomödie Angriff der Killertomaten aus dem Jahr 1978 wohl gedient haben. Der Titel sagt alles, die Dichte an herrlichen doofen Gags erreicht aber nicht jene der oben erwähnten Klassiker.

Kenneth Branagh, der mit der Klassiker-Schändung Tod auf dem Nil den hässlichsten Film des Vorjahres zu verantworten hat, unternimmt in Belfast einen Blick zurück ins Jahr 1969 und dort in eine Kindheit in der nordirischen Hauptstadt. Die teils heiteren, teils dramatischen Szenen in schwarz-weiß spielen sich durch die naiven Augen eines Kindes und in klinisch sauberen Kulissen ab: Wenn einem als Regisseur und Drehbuchautor rein gar nichts mehr einfällt, dann kommt mal auf eine Bildsprache und Dialoge wie diese. Dass der Streifen mit einem Oscar für das beste Drehbuch ausgezeichnet wurde, macht mich sprachlos. 

Jetzt wissen wir also ganz sicher, dass der Zauberer Albus Dumbledore aus dem Harry Potter-Universum schwul ist. Damit hat es sich im dritten Teil der Phantastische Tierwesen-Reihe, betitelt Dumbledores Geheimnisse, aber auch schon. J. K. Rowlings Gelddruckmaschinerie läuft diesmal meist in düster-halbdunklen Settings, wir wissen, dass die mangelnde Qualität von CGI darin nichtallzu krass ins Auge sticht. Eddie Redmayne als Newt Scaramanger spielt fast nur eine Nebenrolle, sonst läuft alles auf das Duell zwischen Dumbledore (Jude Law) und seiner ehemaligen großen Liebe Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen) hinaus. Bis dahin gähnt die Langeweile und Peter Simonitschek fällt einmal vom Stuhl.

Da rennt einer wie um sein Leben. Wir sehen die Titelfigur in der schwedischen Netflix-Serie Tore immer wieder durch die Straßen laufen, wenige Male, weil ihm das pochende Herz vor Vorliebtheit die Beine antreibt, die meiste Zeit aber, als wäre er vor dem Chaos in seinem Kopf und damit vor sich selbst auf der Flucht. Nach dem unerwarteten Tod seines Vaters muss der schwule verzweifelte junge Bestattungsunternehmer lernen, auf eigenen Beinen zu stehen - und dabei nicht ständig jene Menschen zu verletzten, denen er viel bedeutet. Die Dialoge sind auf den Punkt geschrieben, die Szenen ganz nah bei den Figuren; alles kommt so authentisch bei uns an wie Hauptdarsteller William Spetz in seiner Verkörperung der Rolle des Tore.

Das übliche grimassierende Outrieren von Nicholas Cage fällt gar nicht störend ins Gewicht, wenn wir uns über die Actionkomödie Renfield unterhalten, füllt er damit doch die Rolle des Grafen Dracula aus. Für diesen ist Nicholas Hoult als Opfer organisierende Titelfigur tätig, stellt sich eines Tages aber die Sinnfrage ob all dieses Andienerns. Der Humor ist banal und trifft nicht ins Schwarze, die Kämpfe haben trotz der Thematik und allerlei Blutfontänen keinen Biss. In der erfreulichen Kürze des Pseudo-Sketakels liegt keine Würze, sondern ziemlich viel Langeweile. 

Im Zentrum des dritten Teils von Guardians of the Galaxy steht der Waschbär Rocket und sein Schicksal als ehemaliges Opfer grausamer Experimente. Was in seinem Kern ein fetzig-trashiges B-Movie sein könnte, wird durch den üblichen egomanischen Marvel-Bombast schier endlos zerdehnt und im sinnentleerten Getöse der gesamten Reihe niedergewalzt.

Die Nüchternheit von Stil und Erzählweise machen ja mit den Reiz von Simenons Maigret-Romanen aus. Die filmische Umsetzung der Geschichte um eine ermordete junge Frau verweigert sich aber beinahe jeder Dramaturgie. In entfärbten Brauntönen bewegt sich Gérard Depardieu als altersdepressiv-trauriger Kommissar durch die hauptsächlich aus Gesprächen bestehenden Ermittlungen; als "reduzierte Mimik" wurde seine Darstellung in so manchen euphorischen Rezensionen bezeichnet. Doch für mich war die gesamte Inszenierung so brav und langweilig wie in einem Fernsehkrimi. Und sorry, dass Depardieu laut Drehbuch unter Appetitlosigkeit leidet, glaube ich ihm nun wirklich nicht.

Seventies-Feeling meets Psychothriller samt Geistergeschichte: Und siehe, die Mischung funktioniert aufs Vortrefflichste. Ethan Hawke steht in The Black Phone als sadistischer Serienkiller dem natürlichen Spiel von Mason Thames als seinem jugendlichen Entführungsopfer Finn gegenüber. Im Keller festgehalten, bekommt dieser Überlebenstipps von früheren Opfern des Mörders mit der mal grinsenden, mal bitterbös dreinschauenden Maske - über Kontakte aus dem Jenseits mittels eines Telefons ohne Anschluss. Weniger als seine offensichtlichen Vorbilder The Devil's Backbone (2001) und Das Waisenhaus (2007) arbeitet Regisseur Scott Derrickson mit dem mystischen Element des Leides der ermordeten Kinder, sein Film erreicht deshalb auch nicht deren dramtisch-berührende Tiefe. Doch die Dramaturgie ist lupenrein stringent, die Atmosphäre dicht und der Level an Spannung durchgehend hoch; für mich ist The Black Phone der deshalb wohl beste - falls man ihn als solchen bezeichnen möchte - Horrorfilm des Jahres.

Der Sinn von Piopics wie I Wanna Dance with Somebody erschließt sich mir beim besten Willen nicht. Brav hakt der Streifen grob gesetzte Lebensstationen von Whitney Houston ab, brav absolviert Naomi Ackie die größten Hits in perfekter Lippensynchronisation, brav begeistern sich Tontechniker bei Studioaufnahmen und das Publikum bei Live-Auftritten, brav inszeniert erleben wir die Hochs und Tiefs dieser einzigartigen Stimme mit. Erkenntnis null, Mehrwert null. Ein Wiedersehen mit Bodyguard aus dem Jahr 1992 lohnt sich allemal mehr.

Die Meerhexe Ursula war immer meine liebste Disneyfigur, in der Originalverfilmung von Arielle, die Meerjungfrau aus dem Jahr 1990 war sie, inspiriert von Transvestiestar Divine, ein herrlich vulgäres Weib voller Sarkasmus und mit hohem Gruselfaktor. In Rob Marshalls Realversion wird sie von Melissa McCarthy so glattgebügelt, dass sich die Figur blendend einfügt in diese computergenerierte Welt, die "echter" wirken soll als die ursprüngliche gezeichnete, in der aber absolut nichts echt rüberkommt und in der nichts zu Herzen geht: eine einzige fade, blasse und nervige Katastrophe. 

Ich glaube nicht, dass ich im Laufe dieses Filmjahres oft die Adjektive "bezaubernd" und "hinreißend" verwendet habe, doch bei der Musicalkomödie Wonka kommen sie zum Einsatz - einem Beispiel, dass die so oftmals heraufbeschworenen Familienunterhaltung nicht immer schlimmseichte Peinlichkeiten hervorbringen muss. Die Vorgeschichte zu Roald Dahls in den Jahren 1971 und 2003 bereits zweimal verfilmtem Kinderbuch Charlie und die Schokoladenfabrik also, ein bezaubernd-bunter Zuckerlregen an herrlich kautzigen Figuren und im englischen Original wunderbar wortwitzigen Miniaturen; und darin Hugh Grant als Oompa-Loompa mit eigenem Ohrwurm-Tanzlied als eine hinreißende Nummer für sich. Timothée Chalamet in der Titelrolle ist (wie in eigentlich allen seinen Filmen) die Idealbesetzung schlechthin - und wieder einmal genügt ein Blick in seine Augen, wenn er etwa vom Träumen singt, und es tut sich eine ganze Welt an Charaktertiefe auf.

Zuerst, als ein Öltanker auf einen Strand auf Long Island zusteuert, wähnen wir uns in einem Thriller von M. Night Shyamalan, in der Folge, als der Besitzer des Ferienhauses, das die Familie Sandford gemietet hat, nächtens mit seiner Tochter an der Tür klingelt, in einer veritablen "home invasion"-Situation - die Atmosphäre ist unheimlich, der Score enervierend, die Kamera umkreist die Szenerien wie ein Auge von außen, da ist wohl einiges im Busch. Doch dann entpuppt sich Leave the World Behind lediglich als das alljährliche Netflix-Weltuntergangsszenario. Mit Julia Roberts, Ethan Hawke, Mahershala Ali und Kevin Bacon starbesetzt, erzeugt der Film letztlich ein Gefühl von Misstrauen und großer Ungewissheit - was angesichts der Thematik mit verschwörungstheoretischem Touch wohl sogar beabsichtigt ist.

Vom Horror des Blair Witch Project bis zur Demaskierung der US-Waffenlobby durch Michael Moore wissen wir, dass gefakter Dokumentarstil, ob durch "found footage" oder anderswie erklärt, durchaus unter die Haut gehen kann. In der unkomischen Komödie Theatre Camp wird er aber bloß dazu verwendet, ein kleines Budget und filmisches Unvermögen, was das einnehmende Erzählen einer Geschichte betrifft, zu kaschieren. Ben Platt gibt sich alle Mühe, ein in finanzielles Strudeln geratenen Sommerkurs für Kinder und Jugendliche zu retten, doch die singenden Teenies haben mehr Talent als die Verantwortlichen hinter der Kamera.

Vorhersehbarkeit in Reinkultur: Die Tragikomödie Ein Mann namens Otto ist das Remake eines schwedischen Vorbilds und zeigt in gewohnter darstellerischer Güte Tom Hanks in der Titelrolle eines einsam-verhärmten Grantlers, dessen Suizidversuche nach dem Tod seiner Frau immer wieder scheitern und der - erraten! - durch Nachbarschaftshilfe neuen Lebenssinn findet. Regisseur Marc Foster hat schon Einprägsameres wie Wenn Träume fliegen lernen (2004) und den Bond-Film Ein Quantum Trost (2008) geschaffen.  

Vielleicht ist es die permanent bedrohliche Nähe zum Nachbarn aus dem Norden, die zur beachtlichen Vorreiterrolle Südkoreas im Genre von endzeitlichen Dystopien und Horrorthrillern in jüngerer Zeit beigetragen hat. Vergleiche mit dem Kalten Krieg und der fast paranoiden Angst in den USA der Fünfzigerjahre vor einer feindlichen Invasion und dem damit zusammenhängenden Boom an Monsterfilmen liegen nahe. Sweet Home 2 knüpft nahtlos an die erste Staffel aus 2020 an, Hybridwesen aus Menschen und Monstern sollen einen Weg aus der von letzteren verursachten Notlage weisen. Song Kang, der uns noch als fescher Ballettrainer eines Alzheimerpatienten in der liebenswerten Serie Navillera in Erinnerung ist, verkörpert eine zentrale Figur unter ihnen, K-Pop-Star Park Jin-young kümmert sich in einem zweiten Erzählstrang als Elitesoldat um eine Gruppe von Überlebenden. Um die beiden Charaktere herum spielt sich ein Drama aus Blut, Tränen und ziemlich vielen Explosionen ab, anfangs sehr spannend, durch die Überlänge der einzelnen Folgen dann aber mit argen Leerläufen. 

Da steht einer Produktion eine der charismatischsten Schauspielerpersönlichkeiten unserer Zeit zur Verfügung, noch dazu in einer filmikonischen Rolle, und dann geben sich Disney und Regisseur James Mangold alle Mühe, die Sache so gehörig wie nur irgendwie möglich zu ruinieren. Ein letztes Mal setzt Harrison Ford trotz altersmüder Knochen in Indiana Jones und das Rad des Schicksals seinen Hut auf und schwingt die Peitsche gegen böse Nazis, doch gegen schlechte CGI, das verkorkste Timing und die gedankenlose Szenenführung, beliebige Kameraeinstellungen, redundante Verfolgungsjagden, einen faden Höhlenerkundungsabklatsch, ein grundlächerliches Zeitreisefinale und die wohl nervigste und in sich unrundeste und damit unglaubwürdigste Filmfigur des Jahres (Phoebe Waller-Bridge als seine Patentochter Helena) kann auch er nur kurze Lichtblicke ausrichten. Wenn Indiana am Schluss wieder mit seiner großen Liebe Marion zusammentrifft, entsteht ein berührender Moment - der dann auch gleich durch einen zu abrupten Schnitt zunichte gemacht wird. Was ein großer Schwanengesang auf ein Stück Filmgeschichte in Form von Spielbergs brillanter Original-Trilogie hätte werden können, ist auf diese Weise eine einzige Zumutung.

Mord im Orient Express aus 2017 war ein Zeugnis von Kenneth Branaghs Größenwahn, sich an der Figur von Agatha Christies Meisterdektektiv Hercule Poirot zu vergreifen, Tod auf dem Nil (2022) ob schlimmstem CGI schlichtwegs der hässlichste Film des Jahres. Und nun A Haunting in Venice, eine Mischung aus Geisterbeschwörung und diversen Mordanschlägen in einem düsteren Palazzo und mit einem zurückgezogen lebenden Poirot, der eigentlich seine kleinen grauen Zellen in Pension schicken wollte. Ohne auch nur einen Anflug an Verve, ohne jeglichen Esprit, stattdessen schrecklich langweilig zieht sich die Sache lustlos bis zur uninteressanten Auflösung; am Ende scheint Poirot wieder Blut geleckt zu haben und schickt sich an, neue Fälle zu übernehmen - in Hinblick auf mögliche weitere Filme der Reihe eine gefährliche Drohung.

Die Maske des alten Leonard Bernstein in Bradley Coopers Filmbiografie Maestro ist schlichtweg genial und manche Sequenzen empfand ich als sehr gelungen, besonders jene, in denen Episoden der Beziehung des Ausnahmekünstlers zu seiner Frau Felicia (intensiv verkörpert von Carey Mulligan) wie ein Kommentar in Noten mit eigenen Werken hinterlegt ist. Ziemlich schwach sind hingegen jene langen Szenen, in denen sich Cooper schier die Seele aus dem Leib dirigiert und der Kamera nichts als statisches Abfilmen und Umkreisungsbewegungen einfällt. Der zentrale Konfliktpunkt zwischen Bernstein und seiner Frau, nämlich seine Bisexualität und die zahlreichen schwulen Affären werden so verschämt abgehandelt, als befänden wir uns zur Lebenszeit der Figuren und müsste der Film irgendwelchen Zensurcodes Genüge tragen. Insgesamt eine zwiespältige Arbeit über einen extrem schwierigen Menschen und seine Suche nach Liebe - etwas, das ihm in der Musik wohl besser gelang als im Umgang mit anderen Menschen.

Ich kann mich nicht erinnern, dass mir je ein Film von Zack Snyder gefallen hätte. Opulente Walzwerke ohne Seele sind das, Rebel Moon ist da keine Ausnahme. Der Entwurf eines neuen Science-fiction-Universums punktet mit einem coolen Look zwischen Westernstädten und Raumschifftechnik, die Handlungskomponenten hingegen sind von Star Wars bis zu Kurosawas Sieben Samurai zusammengestohlen und auf eine kohärente Story oder so etwas wie Charakterzeichnung wurde vollends vergessen; selbst die Kämpfe mit jeder Menge Zeitlupe sind in ihrer gleichartigen Wiederholung eher langweilig. Zumindest gibt Sofia Boutella eine starke Heldin, eine Fortsetzung soll im April starten.

Brad Pitts Kurzauftritt in The Lost City - Das Geheimnis der verlorenen Stadt ist zweifellos das Schmankerl der Komödie aus dem Jahr 2022 rund um eine Autorin von romantischen Abenteurromanen, die gemeinsam mit dem geistig nicht sonderlich hellen Covermodel ihrer Bücher auf die Suche nach einem verschollenen Schatz geht. Sandra Bullock mit maskenhafter Mimik und Channing Tatum, sympathisch und fesch wie immer, tun sich auf einer exotischen Insel um, auch Daniel Radcliffe als Bösewicht schaltet sich in das Geschehen ein. Anfangs ist das wirklich witzig und spritzig, nach der Hälfte der Lauflänge versandet die Sache aber in oftmals gesehener Beliebigkeit.

Wie eine Motte, so heißt es an einer Stelle des Films, würde sich der Oxford-Student Oliver in die reiche Familie seines Freundes Felix verbeißen und dort nichts ale Löcher hinterlassen. Nicht allzu beißende Gesellschaftssatire und psychologischer Thriller in einem, geriert der Streifen Saltburn der britischen Regisseurin Emerald Lilly Fennell (Promising Young Woman) zur Ripley-Variation mit Fallsticken und doppeltem Boden. Der junge irische Schauspieler Barry Keoghan, für mich der einzige Lichtblick im überschätzten The Banshees of Inisherin, erweist sich als Idealbesetzung der zwielichtigen Hautfigur, die Szene, in der er das Badewassers des vergötterten Felix aufschlürft, bleibt lange in Erinnerung.

Meine letzte Serie im Jahr 2023 hat das Ansehen nicht gelohnt. Das Haus des Geldes-Spinoff Berlin, man könnte es auch als Art Sequel rund um die im Titel genannten Figur nennen, dreht sich um einen Einbruch in ein Pariser Auktionshaus, es fehlen aber die Spannung, die ständigen unerwarteten Wendungen und der Charme des Originals. Stattdessen verzettelt sich die Handlung in einer unnötigen Liebesgeschichte und sämtliche Parameter wirken wie in Heist-Movies bereits unzählige Male durchgekaut.